Ciclo de Autores

Ventura Pons

En los setenta Ventura Pons ya era un director reconocido, pero de teatro. En 1978 sorprendió con su primera película.

Lo que no sorprendió fue que comenzara a manejar su cámara para dar a conocer la vida de un artista popular de esos a los que el academicismo tal vez ignora pero, por supuesto, cataloga: un artista total.

Porque el documental sobre José Pérez Ocaña no fue solamente sobre un pintor andaluz marginal, también fue el filme sobre un cantaor, un clown, un actor callejero, un transformista, un personaje de esos que le dieron nombre propio a la Rambla y la Plaza Real de la Barcelona hacia finales de los setenta.

Ocaña, retrato intermitente (1978, 82’), tal como su nombre lo indica, nos presenta un mosaico con recuerdos del artista andaluz aportados por él mismo,  imágenes sobre algunas actuaciones, varias de sus pinturas y, fundamentalmente, la captura de un carácter capaz, incluso, de hacer valer sus ideas frente a la cámara de un director en su primer paso por el cine.

La retrospectiva del director catalán que se presenta en el BA II festival Internacional de Buenos Aires incluye su primer documental sobre Ocaña, su último filme coral, Morir (o no), referencial hacia el cine, minimalista, con personajes cerca de la muerte y de la vida.

Reportaje al director Ventura Pons, en el marco de la retrospectiva de su obra, que se presentó en el BA II Festival de Cine Independiente de Buenos Aires

“Para mí la Argentina era una asignatura pendiente”

¿Por qué eligió el género documental para su primer filme

Lo que yo quería básicamente era hacer un ejercicio con una cámara.

La reflexión de aquel momento (1978) fue:  Había tenido una beca, había estudiado el documentalismo británico de finales de los 50, es decir el free cinema, que era la parte de cine de la english generation, lo que hicieron gente como Lindsay Anderson, John Fletcher, Caroll Righs, Tony Richarson. Todos ellos habían hecho teatro por un lado y documentalismo por otro, luego pasaron al cine largo de ficción.

Ud. también tenía experiencia en teatro...

Yo tenía una cierta experiencia en teatro y pensé: en lugar de irte a una escuela, por qué no ves que te pasa a ti con una cámara. Entonces me dije: voy a hacer una película documentalista.

Fue un ejercicio de cámara que terminó en un éxito

Era un ejercicio que si a mí me gustaba lo iba a enseñar. Y lo mostré, patapan. Al distribuidor. También lo vio la gente de Cannes y me encontré selección oficial y dando la vuelta a todo el mundo con el dichoso Ocaña. La dichosa película que ya tiene 23 años.

¿Por qué cree que perdura

Y...(piensa) creo que se conserva muy fuerte por el contenido.

Primero porque el personaje es maravilloso. Segundo porque el concepto de la película se aguanta muy bien. Y por último, porque ha quedado como si fuera el testimonio de unos años que vivimos cuando nos liberamos de la dictadura (de Franco). Cuando  el dictador se murió en la cama. Cuando la gente quería tener una gran libertad. La película es como un fiel reflejo de esos años en que creímos que nos íbamos a comer el mundo y  que viviríamos una libertad mucho más maravillosa de la que vivimos.  Vivir vivimos en libertad, pero creímos que la cosa sería un festín, y sin pagar,  y no ha sido así.

¿Cómo fue el proceso creativo del filme?

 Busqué el tema y de repente descubrí ese personaje (José Pérez Ocaña). Luego tuve la idea de cómo hacer la película, ese retrato que él mismo se hace a cámara y que está interrumpido por la memoria provocada a través del travestismo: el teatro en la calle, la España negra.  La reconstrucción de la memoria a través de un hecho verdaderamente teatral más que de travestismo real, pues es más una representación que lo que efectivamente entendemos por travestismo.

Me pareció que era un contexto bonito, un poco literario. Me arme el guión y lo rodé en quince días.

¿Cómo le sirvió su experiencia en el teatro para hacer cine?

Me ha servido muchísimo porque para hacer una película se necesitan tres cosas: una buena historia, un buen reparto y un buen concepto, es decir, una buena narrativa. Digamos que ninguna de estas tres patas puede fallarte. Sin ellas no hay película. Uno se expresa a través de los actores, ellos te crean unos personajes y tienes que saber su técnica, tienes que saberlos manejar para conducirlos hacia el concepto de tu puesta en escena. Esto, sin saber bien como trabajar la técnica de los actores, es imposible. El teatro me ha dado el conocimiento del mundo actoral.

Pero se suele decir que un actor de cine es distinto a uno de teatro 

Yo no distingo entre actor de cine y de teatro. Un actor incorpora un personaje y para teatro hay una técnica, para cine hay otra y para TV hay otra. Lo que un director debe saber es cómo explicarle al actor exactamente lo que quiere y conducirlo hacia el concepto de la película.

En morir (o no)(1999)  la historia negativa es en blanco y negro y la positiva es en color ¿Por qué?

Morir (o no) es una película...es una fábula sobre la segunda oportunidad, sobre algo tan preciado como la vida. La vida puede darte una segunda oportunidad. El juego narrativo que me he inventado es que el tema sea el concepto de la puesta en escena. La puesta en escena, el concepto, es la segunda oportunidad. Mientras mueren la cosa es en blanco y negro y cuando viven ya es en color. Mientras mueren la cámara es una cosa absolutamente participativa y un elemento más de la acción; cuando viven la cámara es descriptiva, es una cámara contemplativa. Mientras mueren todo es angustia, drama, nerviosismo, cuando viven es como una fábula. Este es el juego constante de mezclas entre humor y drama. Los actores son fantásticos, cuando mueren te lo crees de verdad (se ríe)...incluso la niña. Pero están todos vivos ¿eh?...

Retrospectivas en Londres, Nueva York, aquí en la Argentina ¿Se siente en su mejor momento?

No te voy a negar que estoy muy contento...

Pero aparte de la lógica alegría ¿Cómo artista, digo, Ud. se siente en su mejor momento?

Me veo en un momento muy bueno porque nosotros, las gentes de cine, somos artesanos y el control del oficio es muy importante. Me siento en un momento en que tengo ganas de decir muchas cosas y sobre todo de ahondar en esto que tanto me gusta a mí del minimalismo, la estructura narrativa absolutamente informal y muy propia. Me siento que no me da miedo trabajar. Le encuentro mucho gusto al trabajo.

Es artesano y yo agregaría  “autogestionario” porque Ud. es director, productor...

Esto no me lo he inventado yo. Chapín ya lo hacía, tanta gente...

¿Le gusta; no es una carga para Ud.?

No, me encanta

¿Es ventajoso?

Si, porque me da la libertad de hacer lo que me da la gana... - “Hasta ahora, y que dure muchos años”, agrega deseoso y continua - Mi cine no se entendería si yo no fuera mi productor. Porque que coño de productor tradicional  va a entrar en una película como esta (Morir o no) donde todos se mueren o la anterior sobre un profesor que se está muriendo (Amigo, amado, 1998) y que pide la eutanasia y está enamorado de un chaval que quiere que sea su heredero. Los productores  no apuestan por este tipo de historias, como, duras,  y al público le gustan.

De la proyección de Puta miseria (1989), en el cine Cosmos,  la gente salió  muy bien, muy contenta

Es mi película más naife, si le gustó Puta miseria, la película El por qué de las cosas les va a gustar también. 

¿Por qué?

Es una película, bueno (piensa) El porque de las cosas, Caricias y Morir (o no) son una trilogía respecto del minimalismo.

A mí me gustan mucho las estructuras especiales  y sobre todo el contar el mínimo momento de personajes: que los agarras, y que no sabes de donde vienen ni adonde van, pero que explicas ese pequeño momento...

Bueno, usted fue testigo, la noche de la proyección en Buenos Aires, de que aquí también gustó muchísimo Morir (o no). Pero a parte de disfrutar el momento, del éxito de Morir (o no) aquí y hace poco en el festival de Berlín ¿Tiene otro guión en la cabeza, otro proyecto? Para que el público también aproveche su buen momento, digo...

Ya está terminado.  Estoy levantándolo financieramente, digamos.  He aprovechado estos días, en que terminé el guión y lo tradujeron al castellano, y ya está en dos centros de decisión que son: qué televisiones me van a comprar o pre comprar derechos, y qué coproductores tendré en el extranjero. Y este verano a rodar, si dios quiere.

¿Cómo ve el mercado argentino para sus películas?

Un poco como en todas partes. Absolutamente dominado por los norteamericanos. Luchando mucho para la supervivencia del cine propio y abierto. Para mí la Argentina era una asignatura pendiente, pero como todo llega en la vida, lo bueno y lo malo, yo espero que con esta retrospectiva el público de Buenos Aires y la gente que controla el mercado entiendan que mi cine también puede tener un público aquí.

¿Su estada en la Argentina servirá para que se concrete alguna proyección? 

Yo creo que va a servir. 

¿Tuvo ofertas concretas?

Tuve gente que se me acercó. Ya veremos que saldrá. Recientemente estuve en muchos países; de Europa en Francia e Inglaterra, de América en Canadá y los EEUU. Ahora mismo me estaban hablando de unas ventas para la televisión de Canadá y les he dicho: oye, habla con mi distribuidor en Canadá.

¿Le sirvió haber venido al BA II Festival?

Estos festivales lo que te permiten ver es, sobretodo, que la gente quiere ver otro tipo de cine.

G.C.